Paul Ramírez Jonas habla sobre lo que significa hacer un trabajo que interactúa con el mundo.

Haces muchos tipos diferentes de proyectos involucrando muchos tipos de materiales distintos . ¿Cuál es normalmente tu proceso? ¿Trabajas fuera del estudio?

Si. Aunque no lo creas, sigo teniendo una práctica dentro del estudio. Ha evolucionado y esa evolución se ha acelerado en los últimos años, inesperadamente, lo que ha llevado a que ahora haga un ejercicio raro como de actuación con mi asistente. Es algo como yo decirle, “¿Qué tal si hacemos una pieza con promesas?” y observo reacción. Me interesan mucho los actos verbales. Siempre pienso, “¿Qué tipo de discurso puedo hacer con una promesa?”

Así que puede empezar con algo tan sencillo como, “Oye, hazme una promesa.” Y tu me dices, “Yo prometo llevarte al cine hoy.” Y diríamos algo como, “Mmm, okay”. Y después diríamos algo como “Deberíamos de jurarlo sobre un texto sagrado, “ y entonces iríamos al librero y trataríamos de encontrar un libro o texto adecuado en donde jurarlo. A estos pequeños ejercicios les llamo ensayos, y son muy cortos, pero luego empezamos a construirlo con accesorios alrededor. Y luego esos accesorios se vuelven más elaborados. Eventualmente, se convierte en una pieza.

El estudio sigue siendo súper útil de esta forma porque normalmente hay un objeto en estas interacciones. Existe un objeto entre el mediador y el participante, y ese objeto nace en el estudio. Luego ya entramos a procesos más tradicionales: “Deberíamos de taladrarle hoyos a esto, “ o “Hay que pedir una mesa, desarmarla y sólo tomar las patas, y conseguir una pieza de madera y hacerle esto.” Va y viene entre un aspecto de actuación y el aspecto real de construcción.

Haces muchos proyectos en donde casi siempre involucras la participación del espectador, lo que significa que existen varias posibilidades de cómo puede resultar. Al conceptualizar estas piezas, tienes que pensar en todas las diferentes maneras en las que las interacciones pueden ocurrir. El actuar estas escenas con otra persona hace mucho sentido.

Para algunas piezas pienso que lo ideal sería abarcarlo con un enfoque muy teatral y decir, “Ahora, vamos a trabajarlo a algún lado.” Incluso, lo he hecho con unas cuantas piezas. Por ejemplo, la que ahorita está en el New Museum, es una pieza en la que las mentiras se convierten en verdad, esa pieza en específico se ha probado dos veces anteriormente en dos puestas distintas. No hay manera de predecir cómo va a funcionar cuando hay otras personas involucradas. Por ejemplo, intenté ser diseñador de software cuando estaba en la Universidad, y hay algo que ocurre cuando piensas que algo es completamente obvio como, “La gente va a hacer click aquí.” Y luego se lo enseñas a alguien mas y dicen, “No tengo idea donde hacer el click!” Pero tu piensas, “Aqui, es obvio,” pero ellos no lo encuentran.

Esa es la mayor limitación cuando trabajas en estas cosas en el estudio- en algún punto, necesitas probarlo con completos extraños. No quieres experimentar y probar con extraños por primera vez el día en que tu show abre en el museo.

La cantidad de planeación que involucra el poder ejecutar tu trabajo, únicamente en términos de material por sí mismo, es algo asombroso. Tienes que calcular la cantidad de personas que pueden pasar por tu exhibición en un sólo día y la cantidad de material que necesitarás para que cada uno de ellos pueda llevarse un pedazo de papel o, vamos a decir, emplacar con oro una centavo por cada persona…

Ah, sí. Cuando hice ““Key to the City””, por ejemplo, tuvimos que practicarlo en el estudio en donde lo ejecutamos todo tomando el tiempo, y he seguido haciendo eso desde entonces. De hecho, hago toda la obra con reloj en mano y calculo “Bueno, creo que haremos 127 de estos en un día, y estaremos abiertos por 30 días.” Luego haces la matemática y piensas, “Pues, ¿cuanta tinta necesitará la impresora, y cuántas hojas necesitará el libro? ¿Cuantas monedas puedo emplacar con oro?”

Luego hay algo que no puedes predecir, cómo el uso y desgaste de material. Pasé dos años trabajando en una pieza en el Exploratorium, que es el museo interactivo de ciencias en San Francisco. Lo increíble es que todo dentro del museo es interactivo. Eso es su onda. Es impresionante ver la cantidad de cosas que todavía se rompen. En cualquier momento en el Exploratorium, un alto porcentaje de exhibiciones están descompuestas. Y su tienda está en medio del museo. Son sumamente transparentes sobre el tema. Es como, “Pues si el público puede participar, algunas cosas acabarán rompiéndose.” Es parte de. Aprendí mucho de ellos, y aprendí mucho también a través de su diseño interactivo, de no tener miedo de poner cosas en frente de la gente. Ves lo que funciona. Lo modificas. Lo pruebas unos días más. Y lo vuelves a modificar.

Hay una parte en mi show actual, una mesa de apuestas, que probablemente es la más propositiva. La desarrollé sabiendo que la iba a tener que cambiar en algún punto durante la temporada del show. Me reúno cada semana con los 14 adolescentes de preparatoria quienes son los actores y discutimos: “¿Cómo deberíamos de cambiarla? ¿Cuáles deberían de ser las reglas? ¿Quieren diferentes textos en estas monedas? ¿Qué es lo que la gente está haciendo y no haciendo? El trabajo continúa evolucionando debido a esto. .

Cuando haces este tipo de trabajo que involucra interactuar con gente, ¿como mides el éxito? ¿En verdad depende de verlo y observar cómo reacciona la gente?

Existen varios campos dentro del arte, pero algunas veces pienso que son dos principales. Hay uno en el cual “El artista hace el trabajo, el cual es autónomo, y el público hace su cosa.” Yo soy fan del otro tipo. Creo que [Jorge Luis] Borges una vez dijo algo como, “La poesía no es el poema dentro del libro, sino que es el momento en el cual alguien toma el libro de poesía de la biblioteca.” Me gusta la idea de que se requiere de dos personas para hacer una obra de arte exitosa - la persona que crea la imagen y la persona que la aprecia. En verdad creo en eso. El Arte es aquel encuentro entre la cosa hecha por el artista y la persona que está absorbiendo lo que el artista hizo. El significado nace ahí. Necesitas ambas partes de la ecuación.

Cuando solía hacer exhibiciones más tradicionales, nunca sabía si el trabajo era exitoso. Te dan una buena crítica y piensas, “Bueno, eso es lo que piensa el crítico.” Este tipo de trabajo interactivo, es brutal porque funciona o fracasa y te enteras de inmediato. No te puedes mentir a ti mismo. La gente o está participando o no. También soy cauteloso de otro tipo de fracaso que es cuando la gente está participando pero no se está creando ningún tipo de significado. Es como un paseo sin sentido. Me ha tomado algo de tiempo darme cuenta que tienes que seguir ofreciendo pequeñas oportunidades a la gente para crear sentido en la obra.

Sé cuando funciona porque puedo ver las conversaciones que surgen de la participación. ¿Cómo mides el éxito? Es algo difícil con el arte. Si llegará a ser transformativo para los 14 estudiantes de preparatoria que son los facilitadores de la obra todo el verano, ¿es suficiente? O, si es exitoso para un sólo espectador, ¿es suficiente? O, ¿tiene que ser infalible y significativo para cada una de las personas que pasa? Pienso mucho en estas cosas. Si voy a un restaurante, espero que la comida sea buena para cada comensal. En el arte, no se si puedes esperar lo mismo.

Muchos artistas están siempre trabajando proyecto a proyecto: una cosa está pasando a la vez pero siempre están dos pasos adelante pensando en cuál será la siguiente cosa que deben de hacer en su próxima comisión. ¿Existe para ti algún momento donde es borrón y cuenta nueva y puedes ir a tu estudio y decir, “Okay, qué haremos el día de hoy”?

Creo que estoy por entrar en ese estado ahora por primera vez en más de una década. Siento que no tengo nada pendiente hasta enero. Se dio un poquito por suerte y también un poco por planeación. Resulta que mi hija está por aplicar a la preparatoria este año y un amigo nuestro que también es artista, nos dijo que dejáramos nuestra agenda del año entero libre. Durante los últimos 12 meses, lentamente he estado organizando mi agenda para que mi Otoño y la mayor parte de mi Primavera estén libres, sólo para lidiar con la pesadilla que es aplicar a la preparatoria de Nueva York, pero también para poder crear algo desde cero.

¿Cómo se siente eso?

Ah, me da mucho miedo. Soy el tipo de persona que no puede tomarse una vacación por más de tres días porque al tercer día ya me estoy volviendo loco. Entonces marcame en un mes. Estaré teniendo un crisis mental.

Algunas personas en verdad necesitan tomar descansos para recargar baterías y disfrutar de la vida un rato, mientras hay otros artistas que conozco que no necesitan eso para nada, nunca paran. ¿Te parece que entre proyectos tienes que pensar en otra cosa o tratar de resetear tus esquemas de alguna forma?

Tengo una vida complicada porque soy papá y tengo un trabajo de tiempo completo dando clases. Aparte de eso, estoy ocupado haciendo mis proyectos. El ciclo es bastante consistente. Una de las cosas que hago es correr. Soy un ávido corredor. Es mi pasión secreta. Corro carreras también. En realidad soy totalmente mediocre, pero me gusta el hecho de que nunca seré bueno. De todos modos, lo hago apasionadamente. Me da esa pausa que necesito. Se que los domingos iré a correr por dos horas seguidas, pase lo que pase. He tenido que ir incorporando a mi vida, esos pequeños momentos de pausa donde recargo baterías. De hecho, estoy ilusionado en ver lo que pasará en los próximos meses, si es que en verdad bajo el ritmo.

Si. ¿Cómo cabe dentro de tu vida creativa el hecho de dar clases?

Creo que encaja bien. Me mantiene con la mente abierta. Creo que los artistas, indudablemente cuando estás más joven, tratas de mantener una postura al demonizar la otra. La cosa interesante de dar clases es que empiezas a encontrarte con artistas emergentes que están haciendo cosas radicalmente diferentes a las que tú estás haciendo, y son buenas personas. Como maestro, es difícil ser radical o inconformista acerca de lo que los otros realizan porque siempre estás conociendo gente que están haciendo las cosas completamente distintas a ti y lo respetas y aprendes de ellos.

¿Pláticas con tus estudiantes acerca de la realidades del mundo del arte? ¿ Hay alguna manera de prepararlos para eso, o la conversación es siempre estrictamente acerca de su trabajo?

Lo veo todo el tiempo, la gente se ofende por el negocio del mundo del arte. Dicen algo como, “No puedo creer que ese pésimo artista esté ganando tanto dinero, y este otro artista increíble no gane nada!” Y pues si, es terrible, pero también es la realidad. A mis alumnos de posgrado les doy una sesión que los deprime totalmente donde les enseño unos algoritmos que califican a los artistas. Les demuestro la triste realidad en la cual .01% de artistas pueden vivir de esto. Luego les enseño gráficas que muestran la distribución de ingresos en los Estados Unidos. La desigualdad económica en el mundo del arte es exactamente igual a la desigualdad de la economía del país. El mundo del arte está dentro del mundo. No puede ser mejor y no puede ser peor que el mundo. Existe en el mundo real. Lo refleja perfectamente. Se nota más extremo porque es más chico y porque conocemos a algunas personas, pero no es distinto al mundo como tal.

Eso se percibe muy útil. No para disuadir a la gente de ser artistas, pero es importante salir al mundo con los ojos bien abiertos en cuanto a la realidad que estarás enfrentando si esto resulta ser tu camino en la vida.

Estoy de acuerdo contigo. Creo que hay demasiados de nosotros, para empezar. Y aparte, no puedes ganarle al sistema. Si quieres ser un artista, ¿porque cambiarías por pensar en lo que funcionaría comercialmente, cuando las probabilidades de éxito son tan limitadas? Mejor deberías de aferrarte a lo que quieres hacer. Así al menos tendrás la recompensa de hacer eso, al menos tendrías la recompensa de ser honesto contigo mismo, de decir lo que quieres decir, de ser honesto creativamente.